5 artistes sur notre radar en juin 2023

"Artists on Our Radar" est une série mensuelle produite par l'équipe Artsy. Grâce à notre expertise artistique et à l'accès aux données d'Artsy, nous mettons en lumière cinq artistes qui retiennent notre attention. Pour faire nos sélections, nous avons déterminé quels artistes ont eu un impact le mois dernier à travers de nouvelles représentations de galeries, des expositions, des ventes aux enchères, des foires d'art ou de nouvelles œuvres sur Artsy.

Les artistes ont longtemps créé du sens par la répétition, faisant émerger de nouvelles idées en itérant sur un seul sujet. Pour Monet, c'était des meules de foin ; pour Warhol, des boîtes de soupe. Dans l'œuvre du peintre australo-américain Seth Birchall, les branches d'arbres reçoivent le même traitement. Dans Landcare (2023), par exemple, deux troncs de saule sur les rives d'un plan d'eau encadrent un soleil couchant vibrant, tandis que Memory Leaves Trails, Patterns, Edges, Walls, Bottoms and Chasms (2023) utilise la même technique gestuelle à l'huile plumeuse pour représenter la couronne d'un palmier dans des roses et des oranges du coucher du soleil.

Les deux œuvres font partie de la dernière exposition personnelle de Birchall à Sullivan + Strumpf à Melbourne, à voir jusqu'au 10 juin. Intitulée « La Lune sous l'eau », l'exposition suggère également un autre motif récurrent dans l'œuvre de l'artiste : la lune montante. Dans le tableau dont le spectacle tire son nom, les branches d'arbres emblématiques de Birchall se dressent contre un ciel d'un bleu désarmant, où la lune brillante est suspendue, son reflet sur l'eau en dessous fournissant un écho visuel. Les peintures chargées d'émotion de Birchall semblent évoquer la nostalgie des moments fugaces de beauté qu'elles dépeignent - des exemples sublimes de connexion avec la nature.

Birchall est titulaire d'un BA de la National Art School de Sydney et d'un MFA de l'Université de Nouvelle-Galles du Sud. Il travaille principalement à Sydney, où il a monté des expositions personnelles à la Verge Gallery et Artereal Gallery, entre autres, et a reçu une résidence en studio à Artspace en 2020.

—Josie Thaddeus-Johns

Né et élevé en Virginie, Darin Cooper travaille sur divers supports, notamment la peinture, la gravure, la photographie et la sculpture. Ce printemps a été particulièrement fructueux pour le jeune artiste, qui a obtenu un BFA de la School of Visual Arts de New York peu après avoir ouvert sa première exposition solo, « AIN'T NO PLACE LIKE HOME », chez James Fuentes.

Influencé par des artistes tels que Jack Whitten, Radcliffe Bailey et Sam Gilliam, le travail de Cooper s'articule autour de thèmes tirés de son éducation. "Je veux montrer une version plus moderne de la culture noire du Sud", a-t-il déclaré. Chez James Fuentes, Cooper a présenté des œuvres lyriquement abstraites faisant allusion à des thèmes de spiritualité, de sport, de cuisine, de hip-hop, etc. Dans Ghost rider (2023), par exemple, l'artiste plonge dans ses souvenirs d'avoir été emmené à des salons automobiles dans sa jeunesse, drapant un enjoliveur de voile peint avec une image sérigraphiée du rappeur Mike Jones. Formellement, l'œuvre fait référence aux peintures sculpturales de Sam Gilliam, tandis que son titre rappelle une chanson du rappeur E-40.

Travaillant principalement avec des acryliques, Cooper a développé une esthétique semblable à l'aquarelle en utilisant de l'alcool à friction pour dissoudre des parties du pigment. Cette technique se traduit par un glacis de couleur en couches qui couvre différentes nuances et s'attarde activement sur les concepts de mémoire et d'effacement. Ces bases sont ensuite collées, réinterprétant la peinture acrylique traditionnelle à travers une approche mixte.

Cooper a été résident en 2022 au Macedonia Institute à Chatham, New York, et a participé à un certain nombre d'expositions collectives dans des galeries renommées telles que Swivel Gallery à New York, Bode Projects à Berlin et Andrea Festa Fine Art à Rome. L'année dernière, il a été présenté dans une exposition solo en ligne organisée par UTA Artists Space.

—Arun Kakar

Les peintures curieuses de Grace Lee rayonnent à la fois de fantaisie et de mystère. Les sujets de l'artiste basé à Londres sont très variés, bien que certains motifs traversent son travail : les animaux, souvent dans des postures absurdes ou exagérées ; instruments de musique; étoiles. Quel que soit le sujet, Lee - un animateur aussi bien qu'un peintre - privilégie les compositions ciblées et rapprochées qui obscurcissent le contexte, donnant la priorité aux instantanés visuellement saisissants plutôt qu'au récit identifiable. Loué et confus (2023) caractérise leur style ludique et insaisissable (y compris leur penchant pour les jeux de mots) : dans des tons sombres de brun, il représente une personne des sourcils avec des anneaux d'étoiles en orbite autour de son cuir chevelu, comme un personnage de dessin animé qui s'est cogné la tête.

Praised and Confused faisait partie de la sélection de peintures de Lee que Huxley-Parlour a montrées à Future Fair le mois dernier. Pas plus grandes que 8 pouces sur 10, ces œuvres utilisent l'échelle pour refléter de petits sujets - y compris des oiseaux, des abeilles et des mains - et créer un sentiment de préciosité. Huxley-Parlour a également inclus Lee dans une nouvelle exposition de groupe, "On Longing, (Or ​​Modern Objects Volume II)", présentée à la galerie de Londres jusqu'au 8 juillet.

Lee a obtenu son BA en beaux-arts de Goldsmiths, Université de Londres, et a ensuite complété une maîtrise en beaux-arts de la Slade School of Fine Art. Ils ont participé à de nombreuses expositions collectives au Royaume-Uni, notamment à South Parade, et ont récemment été inclus dans "Qui sait ce qu'était la terre avant l'amour", une exposition en ligne d'Andrea Festa Fine Art.

—Olivia Corne

La première exposition personnelle de Libby Rosen a eu lieu à la Night Gallery ce printemps, bien qu'il ne s'agisse pas exactement des débuts d'un nouvel artiste. En fait, Libby Rosen est un surnom pour le projet commun de deux artistes estimés : Anne Libby et Anna Rosen. Le duo, représenté respectivement par Night Gallery, est ami depuis le début des années 2010, alors qu'il vivait tous les deux à New York. Leur collaboration n'a commencé qu'en 2021, lorsqu'ils ont commencé à travailler dans le même studio à Los Angeles, et se sont ainsi familiarisés avec les pratiques de l'autre.

L'exposition conjointe, intitulée "Rib Erosion" (un méli-mélo de lettres dans leurs noms), présentait des œuvres matelassées luxuriantes incorporant du satin teinté de couleurs tourbillonnantes, évoquant intelligemment le style distinctif de chaque artiste. Les superbes créations collaboratives sont structurées de la même manière que les textiles habilement matelassés et suspendus au mur qui constituent un élément clé de la pratique sculpturale de Libby, mais elles sont imprégnées de marbrures et de coups de pinceau imbibés de couleurs que l'on retrouve dans les peintures, les textiles et les œuvres de Rosen sur papier.

Évitant une approche conceptuelle, les artistes ont développé ce travail à travers le processus, le jeu et une sorte d'appel et de réponse. Ils répondent au travail de l'autre tout en apportant leur propre expertise et leur intérêt pour les techniques artisanales traditionnelles : Libby fait le matelassage, incorporant les textiles peints de Rosen, qui sont créés grâce à une technique inspirée de la peinture turque ebru.

Libby et Rosen ont chacune eu leur propre exposition personnelle à la Night Gallery ces dernières années – Libby en 2021 et Rosen en 2020.

—Casey Lesser

Les personnages des peintures de Brett Charles Seiler sont dépouillés à plus d'un titre. Des coups de pinceau de rechange, une palette épurée et des expressions vides les débarrassent presque de l'érotisme; ce qui reste, ce sont des scènes tendres et calmes d'intimité masculine.

La récente exposition personnelle de Seiler à Everard Read à Londres s'intitulait "Luke, Warm", un jeu de mots légèrement évocateur qui pourrait faire un clin d'œil au tableau Cold bath (2023), ou peut-être faire référence à la nature tiède de la domesticité. Pourtant, la virgule qui relie le mot suggère un individu et la chaleur physique et émotionnelle de son amour.

Les expériences de queerness et de masculinité – parfois isolantes, parfois intimes – sont au cœur du travail de Seiler. Dans Living Room et Living with Myself (tous deux de 2023), les personnages semblent ignorer le regard du spectateur. Capturés nus au milieu des plantes d'intérieur et des meubles, ils semblent chez eux dans leur environnement. Mais un malaise persiste : dans Living Room, un personnage tourne le dos à l'autre, tandis que le titre de Living with Myself suggère un sentiment de honte. D'autres œuvres sont de simples portraits, intitulés comme tels (Portrait 33 ou Portrait 34, tous deux de 2023). Leurs sujets regardent-ils le spectateur avec intensité ou regardent-ils au loin, piégés dans leur propre monde ?

Seiler est diplômé de la Ruth Prowse School of Art du Cap en 2015. Il a récemment présenté des expositions personnelles au M+B à Los Angeles et à la Galerie Eigen + Art à Berlin, et a été présenté dans des expositions collectives au Cap et ailleurs.

—Isobelle Boltt